En 1984, Duval, nutrido por el
conocimiento adquirido, expone en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad
de Costa Rica un conjunto de grabados en el que se recoge el resultado de su espíritu
inquisitivo y explorador. En esta exhibición, el público pudo apreciar los resultados
del cuidadoso proceso técnico del grabador. En el texto introductorio del catálogo
el propio artista nos dice acerca de sus intereses: “los trabajos que en esta ocasión presento son el producto de una ardua
labor de estudio técnico, sin muchas pretensiones temáticas que durante varios meses
he realizado”. Es fácil comprobar, estudiando
sus grabados, el nivel de pericia técnica y dedicación que Duval exhibe en sus obras,
y es también evidente, que el grabador es un artista imbuido de los valores del
arte moderno. Un artista profundamente interesado en la forma misma como tema fundamental
del trabajo artístico y en la indisoluble unidad técnica/expresión.
Estas convicciones son producto
de su educación universitaria y pertenecen a principios plástico-estéticos muy difundidos
en el medio artístico costarricense acerca de la naturaleza del trabajo artístico.
Una vez incorporado al cuerpo docente de la Universidad Nacional, institución en
la que trabajó por muchos años, Duval difundió estos valores entre la población
estudiantil que estuvo a su cargo.
El análisis de un pequeño grupo
de obras: Barcas, Oruga y Disputa, realizadas en 1982, nos permitirá un acercamiento a las características
fundamentales del grabado de Alvaro Duval. En primer lugar, Duval es un artista
dedicado al color: a la luminosidad y brillo del color. Sus colores son intensos
y vitales; llenos de energía. Su vibración les convierte en protagonistas indiscutibles
de la obra. Este color al que nos referimos, se construye lentamente; capa sobre
capa, transparencia sobre transparencia; usando el proceso de las veladuras. Gracias
a la aplicación paciente de pigmentos y colores por medio de plantillas y al trabajo
de superposición de áreas hasta lograr una estructura de planos cromáticos de gran
complejidad, el grabador obtiene superficies lustrosas, a veces transparentes y
en otras ocasiones saturadas. Los procesos de aplicación de color utilizados por
este grabador singularizan su obra plástica y constituyen un aporte a la plástica
del país. Oruga es un buen ejemplo de este proceso en el cual el color se usa de forma
constructiva para finalmente determinar el movimiento, los ritmos, las formas y
los planos del conjunto. La abundancia de superficies yuxtapuestas y la armonía
resultante del conjunto nos hablan de la importancia de la composición en la que
confluyen curvas sinuosas con líneas geométricas, formas estables y muy definidas
con zonas terminadas a base de manchas. Lo definitivo de los negros y marrones dialoga
con la sutileza de los cadmios y verdosos hasta integrar un diálogo de opuestos
que se resuelve de manera armónica.
Aunque es posible apreciar en
la imagen una o varias figuras de oruga, la figuración no es lo que da sentido a
la pieza. Es la conjunción plástica de los elementos del lenguaje visual lo que
constituye el núcleo de sentido de Oruga. La forma en sí y las posibilidades de cada elemento del lenguaje
visual como unidad de comunicación domina el espacio visual y reclama para sí el
protagonismo del binomio técnica/expresión.
Oruga es el resultado de un dominio absoluto de los procesos de construcción
de imagen que requiere la “madera perdida” y un compendio del estudio meticuloso
del juego de las formas en el plano plástico-visual. En la disposición de los ritmos
encontramos ecos de las formas precolombinas.
Barcas, con un sentido menor de la transparencia, se acerca más a la figuración,
al condensar un núcleo de líneas y formas que sugieren mástiles, barcas, y un embarcadero
o pequeño muelle bajo el ardiente sol. El color, aunque define ciertas formas en
la dirección de lo figurativo, alcanza otra dimensión más expresiva y no necesariamente
descriptiva. El cielo preñado de color logrado con tres capas de aplicaciones de
amarillo, verde y naranja
consigue una condición densa
y pesada que nos hace “sentir” el calor tropical sobre los botes y el agua. La dirección
de los mástiles sirve de elemento aglutinante de las zonas amplias del cielo y el
mar, y a su vez unifica a un grupo de pequeñas áreas de color en las que la tensión
por yuxtaposición alcanza gran fuerza y despliega vitalidad y energía. La zona central
de Barcas vibrante y llena de algarabía se modula con el contraste que ofrecen
las superficies extensas y tranquilas que encierran esa zona plena de tensiones.
En Barcas se logra una intensidad que comunica la experiencia del sol y del mar
y la fuerza de la vida, esto concede al grabado una dimensión de carácter en cierta
forma cercana a los expresionismos. En esta madera podemos observar algunos detalles
importantes de la técnica, especialmente la construcción de zonas de color y la
modulación de texturas lograda con golpes de navaja así como el papel de las “plantillas”
que permiten resaltar las formas e integrar la imagen final con una impresión última
de colores planos y contrastantes.
Disputa es una especie de oda a la complejidad. Duval logra esta sensación
por medio de una elaborada composición en la que el antagonismo de formas y direcciones
genera tensiones que observamos después, en el conflicto que enfrenta a los personajes.
Con una figuración apenas perceptible,
Duval consigue que todos los elementos del espacio plástico nos hablen de la disputa
como unidad total de discurso de la pieza. El ojo del espectador no descansa al
desplazarse y descubrir la serie de conflictos y pugnas que la obra contiene. El
conocimiento profundo del comportamiento de líneas, planos, texturas y color le
permite a Duval sumergirnos en esa especie de vórtice de energías y experimentar
el sentido de los opuestos y la lucha implícita en la pugna que desarrollan los
personajes. Al mirar el grabado encontramos disputa entre colores, disputa de formas
y de líneas, disputa de movimientos y dinamismos, disputa entre figuración y no
representación, todo resuelto de manera tal que la pieza consigue una unidad excepcional
entre posibilidades técnicas, composición y estructura, color y línea. Todo esto
convierte a esta madera en un ejemplo de investigación que
busca integrar procesos
técnicos y discurso. La nitidez de realización de este y los grabados anteriores
hace evidente el dominio técnico en función de sus posibilidades comunicativas y
se erige como un paradigma de formas particulares desarrolladas en torno a una peculiar
sensibilidad de naturaleza moderna. En el proceso que desarrolló Alvaro Duval se
percibe un amor y una dedicación excepcional al logro de la unidad medio-expresión-mensaje.
La orientación de Duval hacia
la abstracción y síntesis de las formas es una condición que se puede observar desde
épocas tempranas en el desarrollo de su propuesta artística. Un pequeño metal de
1977 titulado Barcas presenta el juego entre figuración, abstracción y no representatividad
en la forma en que conjuga elementos figurativos (palmas y botes) con el diseño
de formas y líneas puras. En este grabado un conjunto de dinámicos trazos atraviesan
los objetos para conseguir un diálogo de planos y líneas que se convierte en el
foco dinámico de la imagen, núcleo que es atemperado por las zonas planas que rodean
el grabado.
Barcas es un impecable trabajo
de agua fuerte y punta seca en el que se aprecia el deseo del autor de llevar los
aspectos técnicos y el desarrollo de la forma expresiva a condiciones óptimas de
ejecución e intención. Astillero constituye una muestra valiosa que nos habla de la recurrencia de motivos
y a su vez de los cambios asociados al estudio de formas semejantes con el propósito
de configurar espacios compositivo-plásticos complejos.
En una publicación referente
a una de sus exposiciones Duval expresa que las figuraciones presentes en sus grabados
están influenciadas por su experiencia de vida en la región de Quepos, comunidad
en la que vivió con su familia por una década. El mar, los botes, los peces, los
cardúmenes, la playa, el manglar, la pesca y el paisaje marino son recuerdos de
su estancia en esta comunidad y reflejan también su amor por la naturaleza y la
vida. Varios grabados a lo largo de su carrera muestran la aparición de estos motivos
y temas.
Un motivo recurrente es la imagen
del arte precolombino. Duval incorpora en muchas de sus obras las imágenes de esta
producción simbólica, principalmente aquellas de las culturas mesoamericanas. Su
interés por estas manifestaciones artísticas le llevó a estudiarlas con dedicación
y a finalmente incorporar a su lenguaje visual el sentido de la forma y la síntesis
presentes en este arte. En Tríptico Verde (1982) y Desarrollo urbano (sin fechar)
apreciamos esa relación con imágenes que nos conectan
con referentes de la cerámica de nuestros pueblos ancestrales.
En otras piezas el vínculo es
más explícito pues en ellas la cita directa es evidente. Desarrollo urbano condensa elementos
vinculados al tiempo en los que es posible leer las ideas contrastantes de naturaleza
y cultura, de presente y pasado comentados en la compleja red de estructuras que
enmarcan la presencia del ícono-sol en cuyo interior se sugiere el petroglifo. En
Ceremonia para el dios indígena, Tótem del sol y la
luna y Geometría chorotega tenemos otros
ejemplos en los que se encuentra el resultado del estudio de estas formas visuales
de nuestra cultura ancestral y la admiración del autor por la expresión plástica
de estas culturas.
La obra de Duval se refiere en
múltiples ocasiones al paisaje. La mayoría de sus maderas perdidas tratan el tema
de la ciudad. En estas piezas encontramos que su deseo no es el de convertirse en
un artista figurativo-descriptivo; por el contrario, sus imágenes de lo urbano son
de naturaleza no representativa, y en algunas ocasiones, presenta una visión vinculada
a una especie de “cartografía” singular que revela enfoques muy particulares sobre
la idea de lo urbano. Desde esta óptica, Duval expresa las sensaciones que en él
produce la estructura de la edilicia, el contraste entre lo urbano y lo rural, la
vibración y el ritmo de las formas características de una ciudad. Su noción de la
ciudad como fenómeno complejo y múltiple se convierte en un concepto relativo a
la huella de la ciudad en el territorio y refiere a las tensiones y conflictos del
mismo por medio de un depurado lenguaje visual que recoge las connotaciones vinculadas
al tema por medio de los contrastes entre las tensiones y distensiones de la superficie
plástica que son características de su estilo personal.
Otro tema que es frecuente encontrar
en el grabado de este artista es el de los bodegones (Trópico I, Trópico II, Festival de las frutas). Basado en este motivo tradicional Duval obtiene imágenes creativas,
plenas de imaginación en las que los elementos clásicos de este género se trastocan
y proyectan a espacios diversos cargados de nuevos sentidos. Este artista usa la
idea del bodegón para construir con este pretexto superficies plásticas en las que
se plantea las posibilidades expresivas de espacio y forma.
Duval consiguió desarrollar un
proceso técnico singular con la así llamada “madera perdida”. En este proceso la
matriz se va perdiendo a medida que se procede con la impresión hasta que finalmente
la posibilidad de impresión se agota y se termina con la producción de un grabado.
Este grabador ingenió una y mil maneras de tratar las fases del proceso para conseguir
un máximo de rendimiento unido a un conjunto de recursos concebidos en función de
su capacidad de expresión. La obra de Duval se destaca dentro del grabado costarricense
porque lleva este proceso peculiar de “madera perdida” a un nivel y una madurez
aún no superadas. Este logro le convierte en el mayor y más sofisticado exponente
de este proceso técnico en el país.
Una pieza realizada en 1982,
con el título de Ventana amarilla, constituye un excelente ejemplo de los alcances y los logros conseguidos
por este interesante grabador. Ventana Amarilla
es parte de una serie de obras no representativas
en las que Duval exhibe detalles importantes de su investigación técnica, En esta
obra la textura del gran espacio violeta que domina el grabado está trabajado con
cuchillo para obtener una textura vibrante que modula el color y consigue una sensación
de delicada ingravidez la cual contrasta con un conjunto de formas pesadas y tensas
enmarcadas en un rectángulo amarillo pajizo que eclosionan en la parte inferior
de la pieza. El efecto general combina dos espacios de distinta naturaleza, uno
terrenal, agresivo y complejo, y otro aéreo y silencioso y liviano en el que se
destaca el círculo amarillo.
Los elementos se equilibran y
estructuran una superficie plástica rica y variada en la que textura, línea y color
desempeñan un papel determinante.
Ventana amarilla y otro grabado titulado Veinte siglos fueron seleccionadas para la
muestra Kunst aus Costa Rica Die Expressionistischen Tendenzen compilada por el
Museo Sprengel de Hannover, Alemania. Esta exposición viajó por espacio de dos años
a seis museos en este país europeo. Kunst aus Costa Rica es una de las más importantes
exhibiciones de arte costarricense mostradas en el continente europeo y la escogencia
del grabado de Duval confirma la importancia de su trabajo.
El color en el grabado costarricense
ha sido tratado de manera particular por los distintos artistas; Francisco Amighetti
mezcló sus tintes con negro para sí opacar ligeramente el brillo de los colores.
El grabador conseguía así una moderación del brillo cromático que permitía aminorar
el papel del color e intensificar la importancia del trazo; de esa manera conseguía
potenciar las figuras y los discursos en un balance entre las fuerzas de los distintos
“estratos” del grabado. Crisanto Badilla prefiere un color que se inclina a la transparencia
y al juego translúcido de las veladuras, destacando el papel de la línea y el plano
en sus obras. Se puede distinguir un primer período en su obra en el cual el color
es más fuerte y concentrado, especialmente en grabados con alto contenido social.
Juan Luis Rodríguez ha usado el color con una tendencia hacia la opacidad y la mesura
con paletas restringidas generalmente. Rodríguez utiliza el color como punto focal
para destacar la unidad de forma y contenido.
En la obra de Duval generalmente
encontramos elementos figurativos, cuyos contornos tienden a resolverse con formas
geométricas. Estos elementos crean un equilibrio de puntos focales que concede gran
estabilidad a la imagen. La figuración constituye un núcleo visual complejo en el
que se compactan una serie de formas creando una especie de tejido de vibraciones
visuales. El resto del espacio plástico-visual se completa por enérgicas formas
oscuras que seccionan la superficie y la dividen en áreas menores atravesadas por
rápidas diagonales que dinamizan la imagen. El uso de color complementario en superficies
opuestas en el plano pictórico crea una división en zonas que se resuelve finalmente
gracias a la interacción de las formas oscuras que definen las relaciones espaciales.
Esta composición otorga individualidad a los espacios aéreos y a los más sólidos
o “terrestres” y a la vez los integra en una unidad que consigue armonía. Las varias
tintas empleadas en sus soluciones dan cuenta de la complejidad del diseño y logran
el complemento que finalmente integra e unifica la imagen.
El desplazamiento de las líneas
y gestos oscuros sobre la superficie produce tensión y conflicto. El gran contraste
en el grabado de Duval se genera a partir de la articulación en el plano plástico
del dinamismo agresivo de los conjuntos de líneas y formas en negro con las áreas
de color, más reposadas y estables.
Así, línea y color se tornan
expresivos y son portadores de sentido: en ellos se estructura una dualidad y pugna
fundamentales en la obra de este grabador. La oposición construida debe de considerarse
siempre como esencial para la comprensión del sentido del grabado de Duval.
Barrera del sol es un buen ejemplo de los rasgos esenciales del lenguaje propio de
Duval. En este grabado se plantea un espacio en receso en el que se distinguen varios
planos. El área visual se divide en dos sectores, uno superior y uno inferior que
concentran dos núcleos de formas contrastantes. La zona superior, simple y liviana,
define un foco de color en el que se distingue una forma radiante: el sol. En la
parte de abajo se concentra una textura visual con formas múltiples que se mueven
avanzando hacia la parte superior. Se sugiere la idea del paisaje y una forma de
montaña que crece en dirección al sol. Estos planos del grabado están realizados
con abundante y atractivo color, además de que exhiben delicados matices de luminosidad
en capas superpuestas de pigmentos claros y oscuros que logran crear una sensación
atmosférica particular. En el primer plano, cubriendo las zonas iluminadas por el
color aparecen las barreras, hileras de barrotes negros que encierran el “paisaje”
de fondo e intentan suprimir y apagar la energía vibrante del color de los últimos
planos de la imagen. El conflicto que surge de la interacción entre las dos estructuras
básicas de la imagen; barrera negra y superficies paisajísticas de colores cálidos
crea una dicotomía entre luz y oscuridad que intensifica la lectura de la pugna
entre opuestos: se establece una dialéctica de energía y vida versus amenaza y muerte.
La sugerencia del paisaje comprime en su territorio la pugna de las fuerzas antagónicas:
sol, aire, montaña y tierra conducen a interpretaciones asociadas con la vida; mientras
que las hileras de barrotes negros que se desplazan desde lo alto y la base de la
imagen, parecen hablar de la negación de esta energía vital e intentan dominar la
superficie y anular las energías que transmite la organización de los colores y
su calidez. Contraste, equilibrio, dinamismo rítmico, yuxtaposición de elementos,
color brillante y estructural, trabajo con plantillas y superficies labradas con
líneas delicadas y sutiles para lograr finas texturas de filigrana, todo esto constituye
la esencia del lenguaje de Duval, unido a un concepto geométrico de la forma que
se inclina fuertemente hacia la idea de lo abstracto y lo no representativo.
Con esta exposición de grabados
realizados con la técnica de la madera perdida, la Escuela de Arte y Comunicación
Visual rinde un homenaje a uno de sus profesores prominentes e inicia un programa
de exposiciones que intentan resaltar la historia de los aportes de los docentes
de nuestra escuela al arte costarricense y a la formación de los jóvenes estudiantes.
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EFRAÍN HERNÁNDEZ VILLALOBOS. Profesor de Historia del Arte de la Escuela de Arte y Comunicación
Visual, CIDEA, UNA. Sus ensayos y textos de publican en catálogos, libros y revistas
de arte y cultura costarricenses e internacionales. Recientemente, fue editado el
libro Tinta y papel, en colaboración con Adrian Arguedas.
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Agulha Revista de Cultura
Número 112 | Abril de 2018
editor geral | FLORIANO MARTINS | floriano.agulha@gmail.com
editor assistente | MÁRCIO SIMÕES | mxsimoes@hotmail.com
logo & design | FLORIANO MARTINS
revisão de textos & difusão | FLORIANO MARTINS | MÁRCIO
SIMÕES
equipe de tradução
ALLAN VIDIGAL | ECLAIR ANTONIO ALMEIDA FILHO | FEDERICO
RIVERO SCARANI | MILENE MORAES
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