Dada la
complejidad del fenómeno Beatle producido en las décadas 1960-1970 (cuyo
análisis ya ha sido emprendido por biógrafos, musicólogos y periodistas) nos
detendremos antes en el acercamiento de la personalidad de Lennon, la cual
resume, a mi entender, numerosas rupturas conceptuales y morales que configuran
parte importante de la sensibilidad de nuestro tiempo.
Venidos
todos de familias humildes, los integrantes de la agrupación The Beatles
hubieron de experimentar los avatares, sinsabores y riesgos de cualquier grupo
de música popular de su época; sobre todo en Inglaterra, país que había
asimilado a su modo la herencia musical norteamericana en las modalidades del
jazz, el blues y el rock, cuando justamente en EEUU se venía gestando una de
las revoluciones más amplias de occidente en lo que se refiere a música
popular.
Este impacto
de las modalidades norteamericanas fue siempre azaroso, pues se opuso a la
cultura blanca, a la música “hecha” y socialmente aceptada en círculos
sociales, que la tenían como divertimento o mera distracción. En cambio, el
blues y el jazz se producen debido a una profunda necesidad interior y se
cumplen en franca rebelión contra los represivos medios dentro de los cuales se
producen: eran canciones para el trabajo, para expresar la religiosidad o la
vehemencia de una condición extramuros.
Paul
McCartney, Richard Starkey, George Harrison y John Lennon provenían, como
tantos otros músicos, de los barrios marginales de Liverpool, y se reunían en
pequeños bares o pubs a entonar sus canciones, impregnadas de
inconformismo, crítica o humor. [1]
Tocaban en The Cavern, una taberna oscura adonde acudían jóvenes inconformes
como ellos. Allí empezó todo. El empresario musical Brian Epstein los vio una
vez y descubrió que en aquellos jóvenes frenéticos y sudorosos había una fuerza
peculiar. Lo que no sabía Epstein era que su descubrimiento vendría a cambiar
con el tiempo las nociones mismas de la música popular.
Una vez que
los Beatles cumplieron los dieciocho años y estaban encaminados en la música,
Epstein los lanzó al estrellato inglés. Los cuatro muchachos estaban impactados
con el fenómeno y no podían entender cómo en pocos años se habían convertido en
millonarios e ídolos de su país. Quizá lo que más contribuyó a la popularidad
de los Beatles fue su permanente desenfado. En las innumerables entrevistas
públicas que protagonizaron dejaban deslizar frases humorísticas, satíricas o
mordaces aunque siempre sonrientes; tocaban temas álgidos de la política o del
poder con un tinte de distraimiento, y los jóvenes se veían reflejados en
ellas.
Al principio
de su carrera, Los Beatles interpretan sobre todo canciones de amor, donde el
objeto de atención eran las muchachas y todos los sentimientos que éstas
suscitan. Lo más notorio de estas canciones (que han sido agrupadas entre los
años 1962-1965 en el período llamado “Beatlemanía”), es el carácter desenfadado
de las letras, donde no hay elementos románticos, tonos dulzones o adornos
superfluos. Las canciones giran en torno a estribillos, y muchas de ellas hasta
abusan de éstos; incluso las repeticiones pueden llenar toda la canción, como
en el caso de “I wanna be your man”, “I wanna hold your hand” y “She loves you”.
Es también este período donde, tanto Lennon como McCartney, llevan a cabo sus
composiciones, sin atribuir mucha importancia a su autoría intelectual. Para
efectos comerciales funcionará en adelante la firma del dueto.
En 1965 John
Lennon tiene 25 años, una edad suficiente para emprender una nueva etapa.
Justamente, él se había referido a esta etapa de la Beatlemanía como la época
del “Yeah, yeah, yeah”. A partir de esta fecha comienzan a percibirse matices
diferentes en las letras, de cierta existencialidad, de indagación psicológica
o intención poética. Me atrevería a proponer la letra de “Help” (1965) como una
de las más logradas a este respecto: “¡Ayuda! Necesito a alguien, Ayuda! /
Cuando era más joven, mucho más joven que hoy, / Nunca necesité a nadie de esta
manera, / Pero ahora que esos días se han ido, / No estoy completamente seguro
de mí, / Ahora encuentro que he cambiado de idea y he abierto las puertas”.
Esta ayuda
reclamada parece dirigida a la mujer, al amor perdido, pero contiene un
ingrediente existencialista y poético notorio. De hecho, la personalidad de
Lennon comienza a apreciarse en este disco, Help!, a través de
piezas como “Tienes que esconder tu amor”. “Aquí estoy, con la mano en la
cabeza, / con mi cara vuelta a la pared, / Si ella se ha ido no puedo
continuar, / sintiéndome dos pies más pequeño. / En todas partes la gente
observa, todos y cada uno de los días / Puedo ver cómo se ríen de mí, / y yo
les oigo decir: ‘Hey, tienes que esconder tu amor’ “.
La voluntad
de superar la etapa del “Yeah, yeah” es notoria en Lennon desde Help! En
canciones como “Ticket to ride” (“Boleto para viajar”) se empiezan a advertir
innovaciones musicales en la percusión, en los tempos lentos,
en la armonización y los arreglos. Incluso se advierte un viraje dentro de la
concepción de la balada suave, en piezas como “You’re going to lose that girl”,
o “It’s only love”. Las inmensas posibilidades armónicas de estas piezas
influyeron en una gran cantidad de grupos, orquestas y músicos de todo el
mundo.
LA EXPERIENCIA CON LAS DROGAS | Desde la
época del Cavern y las giras y conciertos en Londres, Dublín y Hamburgo, Los
Beatles ingerían alcohol y píldoras para poder resistir las exigencias de las
giras y conciertos. Lennon cuenta que una vez un dentista les puso a él, a
George Harrison y a sus mujeres, LSD en las bebidas, y luego les invitó a salir.
La experiencia de esa noche estuvo llena de “disparates histéricos” que se
repetían en algunas giras, principalmente al lado de Ringo y George. Lennon
narra que la canción “She said she said” proviene de unas frases del actor
Peter Fonda a propósito de una experiencia suya con el LSD, la cual le hacía
repetir “Yo sé lo que es estar muerto”. Entonces Lennon la tomó como
estribillo; “Ella decía, ella decía: yo sé lo que es estar muerto”, y también
le haría salir cosas de la infancia (“And when I was a little boy”).
Lennon
siempre desdijo de las biografías demasiado positivas de Los Beatles —como la
de Hunter Davies—, donde se omitían detalles familiares o sobre las giras.
Lennon dijo que aquellas giras se parecían a las del Satiricón, de
Fellini, para aludir a su carácter frenético o delirante. Existen otras
biografías como la de Michael Brown que, según Lennon, se adaptan mejor a los
hechos y los presenta como a unos tipos normales, es decir, cometiendo todo
tipo de errores (“Tienes que ser un hijo de puta para conseguir el éxito, esto
es un hecho”, dijo al respecto); por ello, no es posible omitir detalles
escabrosos o negativos de la vida de Los Beatles; vida llena de presiones y
tensiones, máxime en una personalidad tan compleja como la de John Lennon.
EL FLUJO MENTAL DE LOS SUEÑOS | El tema de
los sueños está presente en muchas de las canciones de Lennon. A través de éste
se expone una serie de constantes que ilustran de manera clara las
inclinaciones oníricas del músico, tanto en la parte literaria de sus textos
como en cuanto a su estética musical. Sin embargo, durante un tiempo la
imaginación onírica de Lennon estuvo escamoteada por una serie de falsas claves
e interpretaciones que más bien pertenecían al terreno de la especulación.
Lennon se encargó de desmentir tales interpretaciones en entrevistas y
declaraciones a la prensa, y hoy por hoy se puede arrojar una mirada más
objetiva y seria al contenido de las canciones, sin necesidad de incurrir en
lucubraciones sobre la vida personal del músico, como recientemente acaba de
suceder con la biografía de Lennon titulada Nowhere man (2000),
donde lo esencial para su autor, Robert Rosen, es sacar a flote la parte
sórdida o depresiva del personaje y llenarla de detalles escabrosos, tanto de
su relación personal con el resto del cuarteto como con Yoko Ono, y de otros
detalles comerciales con las disqueras, los músicos o los amigos.
A raíz
del revival de los Beatles acaecido en todo el mundo en los
años 90 a causa de la salida al mercado de las famosas Anthologies (tres
colecciones de dos discos cada una) y otra aparte titulada Los Beatles
en la BBC, el mundo de la música popular disfrutó, extasiado, de nunca
antes oídas grabaciones caseras, demos, transmisiones de radio y TV
y de audiciones en vivo, incluyendo primicias inéditas como Free as a
bird y Real love —ambas de John Lennon— digitalizadas,
remasterizadas y armadas en estudio como homenaje al músico, amén de otras
piezas hasta ese momento no grabadas ni escuchadas antes, tanto de ellos como
de otros compositores, siempre bajo la coordinación musical del inmenso talento
de George Martin. El propio Martin se abocó a la redacción de un libro sobre la
película y el disco Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band. También
en el año de lanzamiento de Los Beatles en vivo en la BBC (EMI,
1994), circuló una biografía musical de Los Beatles firmada por Ian McDonald,
que cubre la historia de cada canción. Pero, asimismo, este revival permitió
la difusión de biografías amarillistas y comerciales, cuyo objeto principal es
el de suscitar escándalo y de generar cuantiosas ganancias a editores y
autores.
La
disolución de Los Beatles en 1970 provocó un enjambre de opiniones encontradas,
entre las cuales se rumoró siempre la intervención indebida de Yoko Ono en el
grupo; pero también dio pie para que Lennon descubriera aspectos nuevos de su
personalidad, declarando el amor y no la guerra, propiciando la liberación
sexual, descalificando las tendencias militaristas y autoritarias y asumiendo
nuevas formas de relación de la pareja con la sociedad, que le convirtieron en
icono esencial de aquella generación. De hecho, su trayectoria en solitario se
destacó más al principio que la de McCartney o Harrison; se rodeó de músicos de
primera línea para grabar sus discos y alternó con temas de un trasfondo social
o existencial fuerte con temas amorosos, tiernos o sentimentales. Ya no se oía
la magia del “sonido Beatle”, pero se descubrían nuevos acordes y nuevas vetas
de cada uno de ellos por separado, las cuales enriquecieron sobremanera la
música del rock, creando la sensibilidad pop.
LENNON, INDEPENDIENTE | La carrera
de Lennon independiente es ciertamente rica y prolífica. Aun antes de formalizarse
la disolución de Los Beatles, ya éste venía grabando algunas canciones y
álbumes como Two Virgins, en 1968, donde se cita el Capítulo 2 del
libro del Génesis bíblico; allí se alude a la creación del
hombre y la mujer. Luego en Vida con los leones (1969), Lennon
escribe “Ninguna cama para el Beatle John”, donde refiere el escándalo armado a
causa del álbum Dos vírgenes, donde John y Yoko salen en la
portada como Dios los trajo al mundo. Después, en Wedding Album (“Álbum
de boda”, 1969), John y Yoko predican la paz, para arribar a la fase
musicalmente más madura de la pareja, proyectando en la sociedad una imagen de
unión, amor y afianzamiento familiar que es precisamente la que biógrafos como
Robert Rosen desean derrumbar. Pero no nos interesan aquí los detalles
escabrosos de su vida, sino revisar algunos rasgos de su obra.
Dije antes
que Help! me parecía la primera ruptura de Los Beatles con
respecto a la música rock, pasando a ser éste álbum, a mi modo de ver, su
primera producción propiamente pop. Desde el período conocido como “Beatlemanía”,
que va desde 1962 hasta 1965, Lennon y McCartney compartieron la autoría de la
mayoría de las canciones, y me atrevo a decir que el estilo de ambos se
acoplaba con increíble naturalidad, tanto en el aspecto compositivo como en el
interpretativo. En la mayoría de los casos, cuando uno de los dos hacía de
primera voz, se debía a que éste era el autor de la canción, o sencillamente la
idea principal había sido suya, mientras el otro iba aportando ideas
complementarias para enriquecerla o perfeccionarla. Pero ya a partir de Help! comienza
a diferenciarse más el estilo particular de cada uno. En efecto, en canciones
como “Ticket to ride”, “It’s only love” y “You’re going to lose that girl” se
advierte claramente la personalidad de Lennon, la cual va a expandirse mejor en
los álbumes siguientes: Rubber soul (1965) y Revolver (1966).
Se diría que Rubber soul (alma de goma o alma elástica) es la
primera apoteosis de Lennon: “Norwegian wood”, “Nowhere man”, “Girl” e “In my
life” dan fe de ello, pero lo mismo podría decirse de McCartney, que con su
pieza “Yesterday” (correspondiente a Help!) y otros temas
presentes en Rubber soul como “Drive my car”, “Michelle” y “Wait”,
también comienzan a diferenciarse, bajo el magnífico estilo propio de
McCartney. Ya hemos dejado atrás la época de la Beatlemanía y empezamos con la
que podríamos llamar del “Tour del Sargento Misterioso”, la cual incluye,
además de los álbumes mencionados, una serie de sencillos (agrupados luego en
los discos titulados Past masters) y los álbumes donde
cristaliza definitivamente el estilo pop: Magical Mystery Tour (1967)
y Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967); en éstos
las personalidades de Lennon, McCartney y Harrison comienzan a tomar caminos
distintos, tanto en lo musical como en lo personal. De ahí en adelante, sobre
todo a partir del llamado Álbum Blanco doble, The
Beatles (1968) ya la fisonomía musical de cada uno se halla
perfectamente diferenciada. Estamos en los años finales del grupo, signados por
el apogeo de la compañía disquera de Los Beatles, Apple Records, en cuyos
estudios londinenses se graban sus álbumes postreros, Abbey Road (1969)
y Let It Be (1970).
Esta
relación sumaria de títulos sería útil en todo caso para confirmar los rasgos
sobresalientes del estilo de Lennon, siempre en provechosa diferencia con el de
McCartney: crítico, ácido, sobrio. Ello, por la mordacidad con que trata los
temas sociales y las realidades políticas contemporáneas; la inutilidad de la
guerra frente al valor del amor libre; la sinceridad para abordar dilemas
existenciales, y aspirar con ellos rangos de reflexión; sobriedad lingüística
para expresarlos. Lennon no se iba con rodeos para tomar posiciones radicales
en torno a la defensa de la libertad individual, como una manera de encontrar
un desenfado en el vivir, una libertad que comportaba una alegría.
Son
numerosos los aspectos de su obra que podrían estudiarse. Tendré tiempo algún
día de desarrollar una idea que me interesa: el motivo del sueño y los sueños,
presente de varias maneras en su obra. Aparece desde “Norwegian Wood”: “Y
cuando desperté, / estaba solo / Este pájaro había volado, / Y entonces
encendió un fuego, / ¿No es eso bueno? / Madera noruega”. En “Nowhere Man” no
puede estar más clara la escisión de la realidad: “Es un real Hombre de Ninguna
Parte, / sentado en su tierra de Ninguna Parte / haciendo sus planes de nada
para nadie / No tiene un punto de vista / No sabe a dónde va / ¿No es un poco
como tú o como yo?”.
“I’m Only
Sleeping” (Sólo estoy durmiendo) es quizá la canción donde se muestra de modo
más patente la voluntad de conseguir el sueño como vía de liberación: “Cuando
temprano me levanto en la mañana / levanto la cabeza, todavía bostezando. /
Cuando estoy en medio de un sueño / me quedo en la cama, flotando en la
corriente / por favor, no me despierten, no, no me sacudan / déjenme donde
estoy, sólo estoy durmiendo. / Todo el mundo parece creer que soy un perezoso /
Y no les hago caso, yo creo que están locos / corriendo por todas partes a tal
velocidad / Hasta que se dan cuenta que no hay necesidad / Por favor, no me
estropeen el día / estoy a millas de distancia / pero después de todo / sólo
estoy durmiendo”.
Algo similar
ocurre en “Mañana nunca sabe”: “Apaga tu mente, relájate y déjate
llevar por la corriente...”, dice. En cambio, en “Strawberry Fields Forever”
(“Campos de fresa para siempre”) y en “Lucy in the Sky with Diamonds” (Lucy en
el cielo con diamantes) la relación con el sueño es desde adentro, abiertamente
onírica o alucinante. “La vida es más fácil con los ojos cerrados”, nos
dice en la primera; en la segunda las imágenes surreales surgen a lo largo de
todo el texto, y se acomodan a los arreglos musicales como nunca antes había
ocurrido en la música popular, al punto de erigirse estas dos piezas en
paradigmas del Pop Alucinante de los años 60: son probablemente las canciones
más aclamadas y estudiadas del mundo y con más repercusiones en la cultura
posterior, en los años 70 y 80. En lo referente al Álbum Blanco (The
Beatles), la pieza “Glass Onion” (“Cebolla de vidrio”) remite al mismo
contexto: “Yo les conté acerca de los campos de fresa / Conocen el
lugar donde nada es real / Ahora hay otro lugar donde puedes ir / Donde todo
flota”.
Versos que
servirían para ser considerados por sí solos una declaración individual de
principios poéticos o, si se quiere, de una estética del sueño que busca la
construcción de un mundo mejor, y de un individuo más noble y más ético.
Acerca de la
producción en solitario, no puedo reseñarla aquí en extenso, sino sólo referir
que el motivo del sueño se halla disperso en numerosas canciones en mayor o
menor medida, y sería razón suficiente para emprender un estudio detallado.
Su pieza
utópica por excelencia, “Imagine” (la cual da título a su primer LP con rango
de obra maestra), condensa lo mejor de su poética, su sueño de construir un
país ideal, un sueño de todos que se ha vuelto un himno universal de justicia,
y hace de hilo conductor de la tradición utopista desde Tomás Moro, el cual une
su concepción poética de la realidad con la voluntad de justicia política,
donde el goce y los sentimientos individuales puedan tornarse colectivos, y
brillar en el horizonte de un nuevo tiempo. Ojalá, me permito inferir, ese
sueño pueda alumbrar parte de nuestro convulso mundo de hoy, para presentarnos
mejor dotados de humanismo en el siglo que se abre.
Aparte de
los temas introspectivos del sueño o los sueños que Lennon maneja de modo tan
peculiar en su estética musical, tenemos los otros motivos que movieron las
preocupaciones de este trovador: el activismo político y el anhelo de una
sociedad justa, para la cual era necesaria una lucha social que desterrara el
racismo en todas sus formas y permitiera a los individuos acceder a un mundo de
amor, paz y justicia. Dentro de este orden de ideas, es justo mencionar
canciones como “Revolución”, “Héroe de la clase obrera” y “Ángela” donde se
advierte de inmediato el tono satírico que utiliza el músico para desmontar la
hipocresía del modelo capitalista y explotar al obrero. En la canción “Ángela”
vemos que está dirigida a la activista Ángela Davis, una de las mujeres más
carismáticas de la lucha social en la Norteamérica de los años 60 y 70, quien
fue hecha presa y su esposo George Jackson asesinado. Por cierto, Bob Dylan
había compuesto una canción para George Jackson, luchador social y pensador que
fue hecho preso y luego asesinado por las fuerzas policiales de EEUU y cuyas
Cartas desde la prisión fueron publicadas poco después para dejar testimonio de
la lucha de los afroamericanos estadounidenses, al lado de líderes como Martin
Luther King y Malcolm X. No olvidemos que Lennon y Dylan fueron amigos y que
éste último influyó notablemente en las ideas políticas de Lennon, cuyas
referencias en la obra del músico inglés son numerosas. También hay que
mencionar la cercanía de Dylan con George Harrison, la cual se hizo notoria en
muchas oportunidades, comenzando por la notable colaboración de Dylan en el
Concierto para Bangla Desh en 1971, que marcó una pauta en este tipo de eventos
a nivel mundial.
En el texto
de “Revolución” notamos cómo Lennon maneja la ironía en relación a un tema tan
delicado, que puede ser usado para hacer demagogia o populismo cuando sus
objetivos políticos no están claros. “Será mejor que liberes tu mente / Y si
vas por ahí llevando fotos del Presidente Mao / No vas a hacerlo con nadie más”,
dice.
En “La
balada de John y Yoko” se muestra el periplo
realizado por Lennon y Yoko Ono en su gira de amor y paz por varios
países, hasta llegar a Ámsterdam a protagonizar varios eventos significativos,
entre ellos el de desnudarse ante las cámaras junto a sus esposa por lo cual
sufrió las amenazas del gobierno de Richard Nixon. Cuando Lennon escribe: “Según
van las cosas, ellos van a crucificarme” se infiere que el músico se siente
amenazado por el sistema represivo capitalista y la publicidad, y puede
convertirse en una víctima de ello por cualquier vía. La realidad nos ha
mostrado cómo la mayor parte de estos líderes han sido asesinados: presidentes,
periodistas conscientes, trovadores, músicos, poetas, trabajadores, líderes
campesinos y universitarios; la lista es inmensa. El hecho de que el asesino de
Lennon esté aún vivo y solicite todos los años su libertad, nos dice que este
crimen puede haber sido premeditado y planeado desde la represión del Estado.
“Dale un
chance a la paz” además de haberse convertido en una especie de himno universal
a la paz en todo el mundo, también puede leerse como una crítica a los diversos
fundamentalismos que operan en el mundo y no conducen a nada, como no sea a la
confusión y el rencor. Pretenden muchos de estos volverse tablas de salvación,
pero pronto son convertidos en ideologías por parte del sistema. Se burla
Lennon de éstos y dice: “Ministros, Sinistros, Canistros”
En “Héroe de
la clase obrera” escribe: “Te odian si eres listo y te consideran un tonto / Y
eres un maldito loco si no sigues sus reglas / Podrías ser un héroe de la clase
obrera (…) Te mantienen dopado con religión, sexo y TV / Y crees que eres listo
y desclasado y libre”.
Se detecta
un signo de profunda rebeldía en la canción “God”, donde Lennon se declara
abiertamente ateo; más bien cree en una conciencia social que no descarte una
realización individual que pueda hacernos libres por otras vías. Recordemos lo
que ocurrió en países como la Unión Soviética y China, donde el crecimiento
desmesurado de los partidos políticos generó una burocracia tan grande y
corrompida que terminó por devorar al propio Estado.
Tenemos por
supuesto también el lado lírico de Lennon expresado en algunas canciones de su
primera juventud, como “En mi vida”, una de las piezas más conmovedoras de las
suyas, por toda la hermosa nostalgia que expresa. Lo mismo “Julia” en homenaje
a la tía que lo crio, y por supuesto “Mother”, canción desgarradora que da
cuenta de la ausencia afectiva de los padres, un grito in crescendo que es a la
vez una catarsis, una manera de sanar una herida interior.
En todas
estas piezas se pone de manifiesto el genio de Lennon; su ternura y nobleza, su
sed de paz y amor; pero también su capacidad crítica, de lucha y de conciencia
social. Al juntar todos estos elementos, nos encontramos con la personalidad
más compleja y completa de cuantos integraron Los Beatles. Sólo hay que
imaginarse cuánto habría deparado este creador de haber vivido hasta hoy. Sólo
tenía cuarenta años cuando falleció, pero nos legó una obra trascendente y
memorable que ha influido la conciencia musical, moral, social y espiritual de
nuestros tiempos y aún pervive en nosotros con una imagen de integridad y de
imaginación gozosa que no tiene parangón.
Las
lamentables condiciones de la muerte de Lennon, asesinado un 8 de diciembre de
1980 en Nueva York por un esquizofrénico con complejo de persecución y escisión
de la personalidad, dieron origen a reflexiones y especulaciones de toda
índole. A la par de homenajes serios y sinceros que se le han tributado en todo
el mundo, también han circulado biografías escabrosas y versiones amarillistas,
que él acaso vería con una sonrisa benévola. Pero ninguna de éstas logrará
empañar su imagen de verdadero líder musical y social, visionario como poeta y
como hombre (¿no son acaso éstas las dos condiciones de una sola utopía
encarnada?), que se atrevió a retar los cánones de su tiempo para expresar con
su música y su actitud vital y abierta un capítulo memorable de la historia
cultural del siglo veinte.
NOTA
1. En 1979 realicé para el Fondo
Editorial Fundarte las versiones de algunas canciones de John Lennon y Bob
Dylan a las que titulé Dos trovadores del
siglo XX, acompañándolas de breves notas de presentación. La difusión de
este cuadernillo fue amplia, y mereció una reedición por la misma editorial en
2010. Años después amplié el número de canciones de Dylan que fueron publicadas
en Colombia por la editorial Arquitrave, antes de que fuese concedido a Dylan
el Premio Nobel de Literatura en 2016, lo cual proyectó la obra del escritor
estadounidense a un mayor número de personas, generando a la vez absurdas
polémicas acerca de si un trovador debía ser considerado o no un poeta, algo
que revela una ignorancia casi crasa acerca de la historia de la lírica
occidental.
Asimismo en este año 2018 me he dado a
la tarea de traducir 25 canciones de otros de los miembros del grupo Los
Beatles haciendo un modesto tributo a Paul McCartney y George Harrison, a
través de Fábula Ediciones para divulgar y poner al día el legado literario de
escritores notables de varias latitudes y épocas. Para reconocer el genio de
Los Beatles comencé con McCartney, seguí con Harrison y ahora le ha tocado el
turno a John Lennon, sobre quien escribí un ensayo hace muchos años al que
titulé “John Lennon, entre el sueño y la utopía” el cual he actualizado hoy con
motivo de haber compilado un mayor número de canciones suyas para presentarlas
en estas ediciones, al tiempo de haber publicado hace poco en internet un breve
ensayo sobre la trayectoria del cuarteto de Liverpool bajo el título de “Los
Beatles, esos muchachos”, que puede ser consultado en la red por quienes se
encuentren interesados en el tema.
*****
Edição preparada por
Floriano Martins. Agradecimentos a todos os colaboradores. Foto inicial
dos Beatles assinada por Bob Whitaker (Reino Unido,
1939-2011). Página ilustrada com obras de Peter Blake (Reino Unido, 1932),
artista convidado da presente edição.
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Agulha Revista de Cultura
Número 120 | Outubro de 2018
editor geral | FLORIANO MARTINS | floriano.agulha@gmail.com
editor assistente | MÁRCIO SIMÕES | mxsimoes@hotmail.com
logo & design | FLORIANO MARTINS
revisão de textos & difusão | FLORIANO MARTINS |
MÁRCIO SIMÕES
!Que hermosa edición han logrado en Agulha de Los Beatles. Muchas gracias, amigos!
ResponderExcluirGabriel