Agulha Revista de Cultura: GLADYS MENDÍA | Poesía y neurodivergencia: variaciones de la sensibilidad en la poesía contemporánea.

La presente muestra de poesía reúne voces que se inscriben, desde distintos lugares geográficos y generacionales, en lo que hoy denominamos neurodivergencia. Visibiliza algo que ha estado siempre en el centro mismo de la creación: la diferencia en la percepción. Si hoy hablamos de neurodivergencia es porque disponemos de un marco conceptual contemporáneo; pero la literatura, desde sus orígenes, ha sido el espacio donde las sensibilidades no normativas encontraron forma.

Lo que aquí se propone es observar cómo determinadas formas de percepción, procesamiento sensorial, experiencia emocional y relación con el lenguaje configuran escrituras que tensionan la norma.

Esta edición reúne voces diversas en edad, procedencia y estilo. Lo que las vincula es una experiencia particular del mundo traducida en lenguaje. La divergencia aquí es una estructura perceptiva que modela el ritmo, la sintaxis, la intensidad y la construcción del yo poético.

La neurodivergencia aparece en estos textos como diferencia estructural en la manera de habitar el mundo. Esa diferencia se traduce en registros poéticos diversos: fragmentación, intensidad, saturación sensorial, desdoblamiento del yo, lucidez extrema, sensibilidad cósmica o espiritual, crítica institucional, o búsqueda de una ética del cuidado. No hay una única estética neurodivergente. La heterogeneidad formal de la muestra es, precisamente, uno de sus mayores aciertos.

Desde una perspectiva comparatística, resulta inevitable recordar que gran parte de la tradición moderna se ha construido sobre subjetividades que hoy podrían leerse bajo el prisma de la neurodivergencia. El simbolismo, el surrealismo, ciertas vertientes del romanticismo tardío y de las vanguardias latinoamericanas trabajaron con la fractura, la hipersensibilidad, el desbordamiento sensorial o el pensamiento asociativo no lineal como motores estéticos. La diferencia no era patológica sino potencia creadora.

En América Latina, las escrituras de ruptura han dialogado constantemente con estados de conciencia alterados, con experiencias de marginalidad, con desajustes respecto a la norma social y lingüística. La modernidad literaria latinoamericana se configuró, en buena medida, desde esa tensión entre centro y periferia, norma y excepción, claridad racional y exceso imaginativo. La muestra que hoy presentamos se inscribe en esa genealogía.

En varios autores el cuerpo ocupa un lugar central. El cuerpo como territorio de fricción con lo social; como espacio donde se inscribe la sobrecarga sensorial, el agotamiento, la ansiedad o el desajuste. El poema se convierte entonces en un mecanismo de regulación y de traducción. No es casual que aparezcan insistencias en el movimiento, en el gesto repetido, en la dificultad de la interacción social o en la experiencia del diagnóstico. El lenguaje funciona aquí como forma de autoconocimiento y, en muchos casos, como resistencia.

En otras voces, la divergencia se desplaza hacia una expansión perceptiva. Lo místico, lo cósmico, lo ancestral o lo espiritual operan como ampliación del campo de conciencia. La sensibilidad divergente se asume como capacidad de leer capas de realidad que la mirada normativa suele simplificar. Esta dimensión no romantiza la diferencia, pero sí la resignifica.

La muestra también incorpora una dimensión política. Algunos textos interpelan directamente al Estado, a la institución médica o a los dispositivos de normalización. Se cuestiona la medicalización indiscriminada, la patologización del comportamiento no estándar y la violencia simbólica que produce el mandato de adaptación. En este sentido, la poesía funciona como espacio crítico.

Otro elemento transversal es la cuestión del lenguaje. En ciertos autores la escritura se presenta clara y confesional; en otros, se vuelve barroca, acumulativa o experimental. La divergencia no determina la forma, pero sí parece incidir en la relación con la estructura. Hay textos que buscan orden y otros que lo desmontan. Esa tensión entre forma y ruptura atraviesa el conjunto.

Esta edición no pretende definir qué es la poesía neurodivergente. Tampoco pretende establecer un canon. Su propósito es más sencillo y más necesario: ofrecer un espacio donde distintas experiencias de percepción puedan expresarse sin ser reducidas a un diagnóstico. Lo que une a estos poetas es una conciencia aguda de la diferencia y una voluntad de convertir esa diferencia en lenguaje.

Conviene subrayar que esta edición no romantiza la diferencia. La neurodivergencia, en muchos casos, implica sufrimiento, incomprensión y violencia simbólica.

Desde una perspectiva más amplia, esta muestra contribuye a ampliar el canon contemporáneo. La historia literaria se ha construido muchas veces a partir de categorías homogéneas que excluyen otras formas de sensibilidad. Al reunir estas voces, proponemos una ampliación crítica: reconocer que la diversidad cognitiva también es diversidad estética.

Si la tradición literaria ha sido siempre un diálogo entre formas de percepción, esta muestra se suma a ese diálogo. No hay nada nuevo bajo el sol, no se inaugura una excepción, sino que visibiliza una continuidad: la literatura como espacio donde las sensibilidades intensas, divergentes o no normativas encuentran su lugar.

En última instancia, lo que aquí se afirma es sencillo: la diferencia no es marginal al hecho literario; es constitutiva de él.

En un contexto cultural que tiende a clasificar y simplificar, esta muestra propone complejidad. Manifiesta que la literatura surge de la tensión. Y que la divergencia —cuando encuentra su forma —es una de las múltiples maneras posibles de comprender el mundo.

GLADYS MENDÍA (Venezuela, 1975) é escritora e editora residente no Chile. Tradutora de português, integra a equipe de tradução do Atlas Lírico da América Hispânica (Brasil). Foi bolsista da Fundação Neruda (2003 e 2017). Participou do Taller de criação poética com Raúl Zurita (2006). Publicou em diversas revistas literárias, assim como em antologias, entre as mais recentes: Temporary Archives, Poems by women of Latin America, ed. Juana Adcock e Jèssica Pujol Duran, ARC Publications, 2022, Reino Unido; e Akute Routen: poesia e prosa de autores latino-americanos e europeus sobre fronteiras e migrações, organizada pela Dra. Rike Bolte e publicada pela hochroth Verlag, 2024, Alemanha. Seus livros mais recentes são El cantar de los manglares (2018), Luces altas luces de peligro (2022) e Aire (2023). É editora fundadora da Revista de Literatura e Artes LP5.cl e da LP5 Editora (desde 2004), de Anasyrma: Video encontros de Mulheres Ibero-americanas, da Feira de Escritores e Editores Migrantes (FEM) e cofundadora da Furia do Livro (Feira de editoras independentes, Chile). Como editora, desenvolveu mais de vinte e cinco coleções entre poesia, narrativa, ensaio e materiais audiovisuais, publicando mais de 500 autores. PRÊMIO INTERNAZIONALE D’ECCELLENZA “DIVINAMENTE DONNA 2025” na categoria de Livro de autora estrangeira com seu livro APUNTES DE OBSIDIANA. Antología personal.

JAN ŠVANKMAJER (República Tcheca, 1934). Artista surrealista, marionetista, animador e cineasta, é conhecido por suas releituras sombrias de contos de fadas famosos e pelo uso vanguardista da animação stop-motion tridimensional combinada com filmagens em live-action. Alguns críticos o elogiaram por privilegiar os elementos visuais em detrimento do enredo e da narrativa, outros por seu uso de fantasia sombria. Adaptou obras literárias como Alice e Fausto. Sua obra Šílení (2005, Loucura) foi descrita como uma história de terror cômica que demonstra a influência do escritor americano Edgar Allan Poe e do nobre francês Marquês de Sade. Hmyz (2018, Inseto) é baseado na peça Ze ivota hmyzu (1921, A Peça dos Insetos) de Karel e Josef Čapek. A obra plástica de Jan Švankmajer nos acompanha nesta edição de Agulha Revista de Cultura em que é nosso artista convidado. Também podemos encontrar uma reveladora entrevista que lhe fez Floriano Martins, publicada em três idiomas.