AGULHA REVISTA DE CULTURA # 155 – Julho de 2020

• EDITORIAL – ENIGMAS DE LA PERMANENCIA

Isabel Ruiz

Este número de Agulha Revista de Cultura es un homenaje a la grande artista guatemalteca, Isabel Ruiz (1945-2019). En la edición # 24 (mayo de 2002) Isabel ya figuraba como nuestra artista invitada, además de dos textos críticos sobre su obra, firmados por Sagrario Castellanos y Lucrecia Méndez de Penedo. Dos importantes críticas de arte en su país, la primera destacando la originalidad e irreverencia de la obra plástica de la artista, y, al tratar específicamente de una de sus series, Historia sitiada, señala que Isabel trasplanta su lamento colectivo, casi histórico y al plasmarlo simboliza las lágrimas de su grito desgarrando el papel. Lo hiere, lo descarna; le da la imagen doliente de nuestra historia. Y luego aclara: En el proceso de significación de Historia Sitiada se yuxtaponen la visión dinámica de los fenómenos antagónicos de la sociedad y la visión individuada de la pintora; una visión de sí misma ante su historia existencial, su quehacer, su contexto. Su cotidianidad de mujer, esposa, madre, amante. Sin radicalismos ni tropiezos en sus matices, Isabel Ruiz tiene la capacidad de reenviarnos directamente a la realidad. Su realidad: el patio de su casa desde donde anhela su pedazo de cielo; la cruda realidad del grafitti como símbolo de una sociedad desintegrada, maltrecha y espuria; los cantos hambrientos del buhonero que compra papel, botella o ropa; el canto lúdico de sus hijos al llamarla mamá; y como corteza mayor el espectro de la muerte. En el otro artículo, Lucrecia acentúa la relevancia estética de la misma serie: En algunas de las obras que componen esta instalación, Ruiz practica el collage e incorpora retazos de periódicos, fragmentos de fotografías, pregones callejeros, grafitti (mayas y actuales), Etc. en cuadros donde la acuarela, sin perder del todo su transparencia, adquiere tonalidades insólitamente terrosas o muy encendidas. Quizás esto recuerde la textura de manos y cuerpos curtidos por el sol, el trabajo, el dolor, quizás los colores aludan a pasiones incisivas. También reelabora ciertas técnicas populares como el grabado de jícaras y el peinado de los cofres de Totonicapán, sin que su inserción en el conjunto plástico se vea postiza. Asimismo, elabora una especie de crítica oblicua a la pintura tradicional, desde su práctica misma, rasgando las superficies en una actitud agresiva que implica no hacer concesiones a la estaticidad estética. Aunque, también cabría considerar estas rasgaduras como análogas al desgarre social que ha sufrido

Isabel Ruiz

nuestro país. En esta obra multifacética, Historia sitiada, de que se ocupa la artista desde 1992 hasta 1997 –montada en Venezuela, Honduras, Costa Rica, Dinamarca y Guatemala–, hay una dimensión metafísica muy entrañable y sus sombras y figuras saltan de distintos sitios: collages, instalaciones, objetos, tejidos, grabados, con una voracidad de significados –las interrelaciones entre lo sagrado y lo profano– que hablan de la perspectiva humana en la tierra. Este video muestra el montaje de la instalación: www.youtube.com/watch?v=RRjAladH4I4. Ahora la recordamos y la tenemos una vez más como nuestra artista invitada, siempre con la complicidad de su compañero, el poeta Francisco Morales. Esta vez contamos con un ensayo sobre su obra firmado por el poeta y ensayista Javier Payeras.

Nuestra edición avanza con la presencia de otros nombres igualmente merecedores de destaques especiales, a comenzar por este inmenso poeta argentino muy poco recordado, Juan José Ceselli (1909-1982), cuya poesía completa estamos investigando las posibilidades de su edición. El novelista brasileño Uilcon Pereira (1946-1995) es otro caso memorable, cuya obra hoy se encuentra fuera de sus espacios vitales de lectura. Tres otros artistas son aquí evocados, el venezolano Nicolás Ferdinandov (1886-1925), el cubano Cundo Bermúdez (1914-2008) y el dominicano Iván Tovar (1942). En las letras recordamos, desde Guadalupe, Daniel Maximin (1947), la colombiana Clara Schoenborn (1957) y una más de las infinitas perspectivas que definen la escritura de Jorge Luis Borges (1899-1986). Por último, como una especie de concentración de la vitalidad editorial de nuestra revista, reproducimos en portugués el ensayo que fue escrito por Floriano Martins como prólogo de la poesía reunida de uno de los más importantes poetas brasileros, José Santiago Naud (1930-2020), quien murió hace poco. Así que nos reunimos todos en vuelta de la mesa –Alberto Claudio Blasetti, Berta Lucía Estrada, Carlos M. Luis, Harold Alvarado Tenorio, Javier Payeras, Juan Calzadilla, Leonardo Froes Jr, Lilian Pestre de Almeida y Plinio Chahín– para celebrar la permanencia enigmática de la creación artística, más allá de todo el tiempo y sus obstáculos.

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José Santiago Naud

José Santiago Naud é talvez o poeta de melhor convívio com o espectro cósmico e mítico nos meandros de uma lírica brasileira. A sua poesia é intensamente religiosa e une o sagrado ao espírito humano, assimilando diferenças, polindo confluências, evocando os elementos visíveis e invisíveis, nostálgicos e visionários, díspares e consensuais, para uma festa de sentidos muito além da simplificação esquemática de nossa tradição, que se satisfaz, sob certos aspectos, em opor Drummond a Cabral, logo descartando o primeiro. Santiago Naud, ao contrário, bem sabe o poder da soma e também nisto nos dá uma grande lição. Sua poesia faz surgir entre nós todos os nomes da Musa, seus truques de linguagem, máscaras rituais e vestes íntimas do espírito. Nada lhe escapa em nossa memória de testemunhos poéticos. Recorre a todos os elementos a seu dispor, mergulhando e trazendo à tona figuras inquietas de sonhos e visões. Não como sinal de conquista, antes pautado pela generosidade, por um rigor expansivo.

Como ele próprio refere em um poema do livro Oficio humano (1966), Querer ter é avareza. Trata-se de uma poesia que elude os vícios da posse. Sua excelência está no convívio. Porém tal convivência se fortalece justamente ao mesclar ciclos, ao povoar o poema de silêncio e vozerio, ascetismo e sensualidade, suspeições e clarezas. Mesmo ao dizer de Jorge de Lima que provavelmente, com Carlos Drummond de Andrade, é o poeta brasileiro mais presente em minhas inquietações poéticas, mesmo aí, sabemos a força da abrangência, pela própria profundidade do ato poético dado à luz de nossa lírica por ambos os poetas. E tal menção cumpre ainda com o notável ofício de chamar a atenção para a importância da obra de Jorge de Lima, dentre as vozes mais fundamentais da poesia em língua portuguesa, porém não sem violenta injustiça quase de todo esquecido das novas gerações brasileiras.

Esta carência de influência orquestrada por um silêncio que une o relapso ao intencional é algo que também se verifica em relação à própria circulação da obra de Santiago Naud. Deficitária em grande parte pela ausência de distribuição fora de Brasília, cidade onde seus livros vêm sendo editados nos últimos 30 anos. Aspecto agravado pela condição esgotada da maior parte deles e pela ausência em meio editorial brasileiro de alguns de seus principais títulos, publicados no exterior: Conhecimento a Oeste (Portugal, 1974), Dos nomes (Argentina, 1977), HB Promontorio milenario (Panamá, 1983) e Piedra Azteca (México, 1985). Este último, um desses exemplos engrandecedores de qualquer tradição lírica e, no entanto, do total desconhecimento de leitores brasileiros, sem esquecer que entre esses leitores se encontram também nossos poetas, de toda estirpe e inquietude.

Piedra Azteca – com seu trevo de cinco pétalas, sua arquitetura de cinco cantos ou capítulos – abriga em suas nervuras um interessante diálogo com o Drummond já aqui referido, sucedendo-o em sua evocação dos mitos urgentes. Diálogo amplificado em surpreendente direção com outro poeta, o mexicano José Gorostiza, portas abertas à altura e à síntese de duas poéticas entranháveis, medulares e transcendentes, configurando particular rito de convivência entre duas culturas, realçado pela própria residência de Santiago Naud em ambos os países. O extenso poema que compõe o livro – cuja superfície aponta na direção de uma visita ao mito ou celebração do milagre de Guadalupe – reflete um domínio alquímico, onde a Pedra de Roseta transfigura-se na forma de uma obsidiana, por sua vez transmudando-se, a cada canto, em faca, punhal, fio, língua, borboleta, sem perder o espírito mineral, mas adentrando círculos e profundidades em busca de novos contrários que possa remir unificando. Viagem plena das formas que se descobrem e restaram no convívio. Viagem insolente da ressurreição após cada sítio extraviado, assim como alguém passa / depois de tudo perdido / e leva o nome trocado. A própria construção do poema, ao recorrer a uma prática de espirais no entalhe de palavras e sentidos, modula um instigante desafio entre o repetir e o refletir, desdobrando-se em múltiplos sentidos alcançados a partir da ação de um verbo no outro.

Piedra Azteca confirma a condição visionária da poética de Santiago Naud, enlaçando-se no esplendor de suas imagens com um livro que lhe é vizinho no tempo, HB Promontorio milenario, luminoso colóquio com uma pintura homônima do panamenho Adriano Herrerabarría. Acerta Mario Augusto Rodríguez, ao dizer que se trata de uma obra de alucinantes sensações interiores, que parece desafiar a interpretação do espectador, com o denso conteúdo de um passado transido de valores culturais, em permanente rumo até o futuro. [1] Também aqui o tema definido e evocado transfigura-se e gera novos matizes. A densidade florestal da pintura de Herrerabarría frutifica nas mãos do verbo de Santiago Naud, na forma de uma vegetação espiritual: este eterno segredo / das dobras do tempo, / a madeira apodrecida gotejando em convulsão / o sêmen desprezado, os ódios ressentidos // e o ritual iludindo / os livres, que não somos. Uma vez mais se encontra plenamente postulada a vertigem criativa apontada em Piedra Azteca, o episódio barroco da viagem de um olho dentro do olho / de outro olho / no outro, original. Tive a oportunidade de conhecer parte da obra do artista panamenho que, de alguma maneira, entranha e descortina substanciosa fatia da poética de Santiago Naud. Ao destacar estes dois livros, contudo, o fiz menos movido pela intenção de diferi-los dos demais do que pela simples razão de se tratarem de livros até aqui não publicados no Brasil.

Isabel Ruiz

Estou de acordo com o poeta quando afirma não haver em sua poesia reorientações ou rupturas em termos essenciais de suas inquietudes. Suas transformações internas conduzem-se pelo mito das metamorfoses e não pela perda de guia, norte ou solidez. Ele próprio confirma: As leituras posteriores, as experiências vitais, a leitura de outros poetas e, principalmente, o estudo da mitologia universal me foram desvelando os símbolos que eu havia fixado inconscientemente em versos e que pertencem não ao meu inconsciente, pois vinham de algo maior – um inconsciente coletivo, quem sabe? [2] Em preciosa complementação, avulta que a forma, a sintaxe e a lógica que busquei, a par de se comprometerem com a linha histórica, com a poesia escrita em língua portuguesa, enraízam no primeiro livro e tratam, nos subsequentes, de esclarecer a emoção que, subjetivamente, me justifica como consciência individual ou membro específico do grupo a que pertenço. Seria uma atividade solar, busca da luz que faz uno o diverso, e vice-versa.

A obra de José Santiago Naud foi tecida de forma visionária, obsessiva e profética. Toda ela transcorre sempre em busca daquele que até hoje se configura como seu livro essencial e misterioso, que jamais se mostrou na íntegra, sabendo guardar-se parcialmente em mistério, idêntico mistério que o poeta tornou componente queimante e inestimável de sua poética. Refiro-me a Cara de cão, cujas parcelas publicadas até então – Dos nomes (1977), Vez de Eros (1987), Memórias de signos (1994) e Os avessos do espelho (1996) – repercutem intensa relação entre memória e antevisão de mundo. Relação desfiada como uma viagem incansável, onde o poeta se sente trespassado pelo Verbo / e salivado por seres estranhos. De uma margem ou outra do tempo, há toda uma colheita de imagens que são resíduos que foram se acumulando ao longo da vida do próprio poeta, o que naturalmente inclui antecedentes e utopias, ancestralidade do ser humano e potencialidade de sua errância sobre a terra.

Tais resíduos se multiplicam e repetem, configurando o estilo, mas essencialmente anotando um fundamento que não se limita ao jogo semântico, cuja advertência caprichosa encontramos em um verso que diz: toquei de novo o nome / em que tudo outra vez se pode repetir, sendo esta a autêntica vibração alquímica da poesia de Santiago Naud. Não à toa, o poeta aclara:

Para mim a poesia corporiza um ato supremo de ociosidade e trabalho. É como deixar-se levar na correnteza da vida, com todo o seu mistério de maravilhas e horror, ou lavrar como o ouro nas profundezas da terra, precipitação mineral de pureza máxima e infensa ao tempo, às traças ou à ferrugem. [3]

As associações apanhadas nessa profusão mineral de sons, imagens, sentidos, entretecendo-se sem rejeitar contradições, dissonâncias, desvarios, encontram neste poeta uma rara expressão de grandeza que é, ao mesmo tempo, o retrato mais terrível da condição humana. O erótico entrançado com o vozerio encoberto das ruas e becos, o coloquial exposto de forma ostensiva, provocativo em sua luxúria, porém jamais percebido como uma vulgaridade. Dispor-se ao perigo magnífico de lembrar ao angelical seu alcance terreno. Interligar os contrários por analogias arriscadas. Não limitar-se ao lírico, ao mesmo tempo sem deixar de ser profundamente lírico. Poesia complexa na mecânica sinfônica em que está tecida, porém fluente na opção de sua entrega. Seus códigos não são fechados, indecifráveis. A sucessão de mistérios que destaca não a torna incomunicável, ao contrário: alimenta a fome do leitor por impulsos de participação, convívio, aprendizagem, com este campo insondável que é tão tangível e intangível quanto a vida de cada um de nós.

Ao mesclar mundo prosaico e atmosfera fantástica (o mundo prodigioso da imaginação), Drummond alcançou mais do que ninguém na poesia brasileira um grau de sensibilidade que nos permitiu rever nossas ideias acerca do real e seu suspeitoso estado contrário. Santiago Naud recolheu bem a lição e deu-lhe, entremeando sequência e consequência, um sabor singular, ao dissipar outra fronteira, a que separa o lírico do épico. Em Vez de Eros, livro que recorda a tessitura de um labirinto, uma de suas passagens assim se inicia: Ponho um dragão no teu vestido! / Por baixo do pano a tua pele eriça / e enrija, estremecida, / e vai um pouco abrindo / os abismos da infância: Na forma de um dragão ali está posto o real, o imaginário, o lírico e o épico. A infância provocada é a da própria espécie humana. A subjetividade é uma fonte inestimável de acesso ao coletivo. Todo este livro, por exemplo, nos ensina que é plenamente possível romper as barreiras entre gêneros sem precisar contestar tradição alguma, e sem promover tal atitude à condição de uma vanguarda, ocasional como qualquer uma.

O próprio poeta gosta sempre de recordar que a improvisação dos repentistas foi o primeiro impulso a levar-lhe à escrita. Por ali sentiu as primeiras essências dos pomares da língua, o português de uma margem e outra do Atlântico. Raros poetas no Brasil entregam-se a este mergulho em duas águas com a intensidade com que o faz Santiago Naud. Não há retórica em seu diálogo com esta nossa contradição linguística. Assim a defino, porque na língua é que se encontram as raízes de nossas ambiguidades. No fundo, talvez não seja a cultura portuguesa que rejeitamos e sim a língua. A rejeição isoladamente não constrói uma realidade. A improvisação em Santiago Naud alcança um particular sentido de entrega ao mistério. Ela própria, com sua organização nervosa ou sua energia organizada, reconhece as estações rítmicas, semânticas, os planos de reconhecimento de leitos ou estratégias de transposição de cursos, inquietudes, decepções. Trata-se de uma poética caudalosa, porém consciente de sua volúpia, e com um inestimável aproveitamento estético desse espírito irrefreável.

Recordo isto movido por uma carta que em 1963 lhe enviou Drummond. Ali dizia: Sua poesia tem esse dom de extensibilidade; ela prolonga os temas e as visões, não se satisfaz com o mistério captado. A extensão do verso em Santiago Naud reflete a intensidade com que incorpora domínios e demônios da linguagem. É um refinamento, antes de ser um desmazelo. O verso longo, por alguma inadvertência, foi excomungado no Brasil como uma heresia. Em parte, vem daí a rejeição irreflexiva que nossos poetas cultuam em quase sigilo em relação à poesia que se faz na América Hispânica. Não se pode opor Celan a Rilke tomando por fórum a extensão do verso. A síntese, quando evocada com um metro nas mãos, pode expressar simplesmente uma falta do que dizer. A linguagem, a forma de expressão, legítima ou afetada, independente do metro.

É fato que a poesia de Santiago Naud prolonga os temas e as visões. De alguma maneira recorre a uma fonte barroca que é a mesma que animava a poesia de Drummond. Ou de Jorge de Lima. Ou de Murilo Mendes. Dá-lhe, no entanto, tratamento distinto à nascente. Já não lhe cabe ser deliberado ou irrevogável em uma instância mítica ou social, lúcida ou delirante. Não se sente incomodado com uma estrutura vigente em isolado. Quer romper com a própria natureza humana e não apenas com uma parcela de seus caprichos. Eis a franca ousadia desta poesia. Por isto que não importa – sinceramente não importa – opor seus méritos ou equívocos aos rumos traçados por seus pares geracionais. Poetas brasileiros nascidos na década de 1930 constituem – segundo meu entendimento – o mais alto grau de nossa perspectiva de entrada em um ambiente internacional insultado pelo conhecido ciclo das vanguardas. Alguns desses poetas corrigem com naturalidade os equívocos de nosso Modernismo, e o fazem com uma propriedade ainda hoje não considerada, cuja raiz é a mesma de todas as nossas volubilidades.

A poesia de José Santiago Naud nos diz que somos parte de alguma coisa. Que não avançamos enquanto não identificamos a origem. Que as mil cabeças do mito, qualquer que seja ele, não podem refletir pura e simplesmente uma sujeição à história. Que temos que percebê-la, recebê-la da maneira como se apresenta, porém com o espírito preparado para que salte dentro de nós, que se descubra em nós, que faça parte de nós, as mil cabeças sendo nossas, as nossas. O verbo se lança nu no espaço, exposto às variações e dissidências. Estamos todos em um grande salão. Até mesmo as ilusões semânticas confidenciam sua fragilidade e seguem na festa. Estamos sem disfarce. Todos somos filhos da mesma urgência. Os símbolos ganham um novo diapasão. Mas que ninguém se iluda. O mistério tem outro nome. Sempre.

NOTAS

1. Un cuadro y un poema, de Mario Augusto Rodríguez. Artigo publicado no jornal La República. Panamá, 25/11/1983.

2. A organicidade da poesia brasileira não encontra correspondência na crítica literária, entrevista concedida a Danilo Gomes. Suplemento Literário Minas Gerais. Belo Horizonte, 10/06/1978.

3. Preâmbulo, Antologia pessoal. Brasília: Thesaurus Editora, 2001.

Los editores

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Isabel Ruiz

• ÍNDICE

ALBERTO CLAUDIO BLASETTI | Juan José Ceselli, la rebelión contra la estupidez y la maldad

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BERTA LUCÍA ESTRADA | La shoah en clave de atenea de Clara Schoenborn

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CARLOS M. LUIS | La pintura de Cundo Bermúdez

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FLORIANO MARTINS | Hipopocalipsis, Ruidurbano & Uílcon Pereira

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HAROLD ALVARADO TENORIO | Jorge Luis Borges

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JAVIER PAYERAS | El sueño y la resistencia: Isabel Ruiz

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JUAN CALZADILLA | La travesía caribeña de Nicolás Ferdinandov

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LEONARDO FROES JR | Uílcon Pereira e a nova inquisição outra

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LILIAN PESTRE DE ALMEIDA | Daniel Maximin: uma voz original do Caribe francês

https://arcagulharevistadecultura.blogspot.com/2020/07/lilian-pestre-de-almeida-daniel-maximin.html

PLINIO CHAHÍN | El voluptuoso Iván Tovar

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Agulha Revista de Cultura

UMA AGULHA NO MUNDO INTEIRO

Número 155 | Julho de 2020

Artista convidado: Isabel Ruiz (Guatemala, 1945-2019)

editor geral | FLORIANO MARTINS | floriano.agulha@gmail.com

editor assistente | MÁRCIO SIMÕES | mxsimoes@hotmail.com

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